SOMBREALISMO

                 
       
                            

          SOMBREROS SURREALISTAS

                               

El Museo del Traje de Madrid, abierto desde 2004, tiene una gran variedad de colecciones históricas y contemporáneas. Destaca por tener piezas significantes de los siglos XVI y XVII y y colecciones de prendas del siglo XX.

Este año es el quinto aniversario del Día de Santa Catalina de Alejandría, patrona de los sombreros, y por este motivo, se ha inaugurado una exposición de una treintena de sombreros en el Museo del traje junto a la Asociación Española de Sombrereros, inspirada en el surrealismo, uno de los movimientos vanguardistas más representativos del siglo XX. La exposición estará comprendida entre el 18 de noviembre de 2017 y 10 de diciembre de 2017.

La Asociación ESpañola de Sombrereros decidió realizar una exposición de una serie de sombreros y tocados creados bajo el lema Sombrealismo, Sombreros en clave surrealista. Además de poder admirar el trabajo realizado, supondrá una buena oportunidad para reivindicar la estrecha relación entre el arte y la indumentaria. 

En esta exposición, el visitante podrá ver, entre otros, un tocado con un gran ojo de plumas de pavo real, pájaros que se lanzan al vuelo, una gigantesca cáscara de mejillón o nubes azules con lluvia. En esta colección, observamos que la ironía y el sarcasmo acompañan a la imaginación, la fantasía y el ingenio.

A continuación, os dejaré algunas imágenes de algunos sombreros y tocados de la colección:

Tocado con un gran ojo de plumas de pavo real, Museo del Traje, Madrid 2017

Tocado con una nube azul y lluvia, Museo del Traje, Madrid 2017

                                                                               



Bibliografía:

http://www.mecd.gob.es/mtraje/exposicion/temporales/historico/2017/sombrealismo.html  

https://www.esmadrid.com/agenda/sombrealismo-sombreros-en-clave-surrealista-museo-del-traje?utm_referrer=https%3A%2F%2Fwww.google.es%2F

https://www.esmadrid.com/informacion-turistica/museo-del-traje?utm_referrer=https%3A%2F%2Fwww.google.es%2F

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Mencía Stampa, 15/12/2017

                                                 


            

El surrealismo fotográfico en la actualida

En el dia de hoy, conoceremos a tres recientes fotografos, cuya fotografía podría considerarse como surrealista. 

En primer lugar hablaremos de Brooke Shaden,  joven fotógrafa americana cuyo trabajo está lleno de originalidad y de cierto surrealismo creativo, trabajando normalmente con formato cuadrado y un énfasis especial en el post procesamiento, dando a muchas de sus fotografías un aire como de pintura.

A pesar de haber empezado en 2008, su impresionante portafolio, nos demuestra cómo la imaginación y el esfuerzo pueden ser las mejores herramientas para crear un fantástico trabajo.

Como artista de autorretrato, se fotografía a sí misma y se convierte en los personajes de los sueños inspirados en una infancia de intensa imaginación y miedo. Siendo el creador y el actor, Brooke controla su oscuridad y confronta esos miedos. Su principal objetivo es transmitir emociones fuertes, como la tristeza, la muerte y el renacimiento o la belleza y la decadencia

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                           Shedding skin                                             Etals from my roots

Gregory Crewdson es un fotógrafo estadounidensees, famoso por sus fotografías surrealistas sobre los suburbios de Estados Unidos.                                                           

Las fotografías de Crewdson se pueden apreciar, inicialmente, sin mucho esfuerzo, son escenas ficticias que él diseña concienzudamente, para construir visualmente la sensación que está en su cabeza, lo que el llama momentos congelados, habitualmente inquietantes y que nos recuerdan a las películas clásicas de terror, gracias a una estética profundamente cinematográfica. Pero, al mismo tiempo, están cubiertas por otro humo, una capa de belleza superficial que lo que intenta es ocultar las verdades, secretos y misterios que subyacen en cada encuadre. Ahí residen las compulsiones de su autor, los cuchicheos de su mente, el recuerdo infantil de aquellos desconocidos que se escabullían por el sótano de su casa con sus enigmas y confidencias. 

Para crearlas, el autor requiere de una producción compleja, un amplio equipo de trabajo y, frecuentemente, desembolsos desorbitados. Son imágenes diseñadas para ser colgadas en los muros de un museo, o galería, o como parte del acervo de alguna colección particular.

Antes de ser creadas, las fotografías de Crewdson ya tienen un comprador que estará dispuesto a desembolsar entre sesenta y ochenta mil dólares por cada una.

Por ultimo conoceremos a Alex Stoddard, ejemplo perfecto de la frase: “Nacer con talento”. A causa de sus fotografías, se volvió famoso a los 17 años. Nacido en Jacksonville, Florida, descubrió su pasión por este arte cuando se mudó a Georgia. Su producción es descrita como fotografía surrealista, pues su narrativa oscura roza con los 

fantástico y la fragilidad de la experiencia humana. 

                                                                                                             St. Valentine

Realizado por Alejandra Guerra.

                      "Golconda" René Magritte 1953.

                              

Se trata de un óleo sobre lienzo del artista surrealista belga René Magritte, pintado en el año 1953;, el cual suele estar expuesto en la colección privada del mecenas y empresario estadounidense John de Menil, en Houston (Texas).

Como descripción a simple vista podríamos decir que se trata de una lluvia (o una elevación, según se mire) de hombres con abrigo negro y bombín, similares a Magritte, en un entorno urbano también parecido al del pintor en Bruselas.

El propio Magritte define su obra diciendo “He aquí una multitud de hombres, todos diferentes. Pero como al pensar en multitud no se piensa en el individuo, los hombres están vestidos de la misma manera, con mayor sencillez posible, para sugerir de masa… Golconda era un rica ciudad hindú, un sitio maravilloso, Yo considero una maravilla andar sobre la tierra a través del cielo. Por otro lado el sombrero hongo no representa ninguna sorpresa. Es un sombrero poco original. El hombre con sombrero de hongo es el hombre común y corriente. Yo lo uso también, no tengo el menor deseo de destacarme.”

Se cree que  Magritte hace referencia a un barrio burgués de su ciudad natal Bulgaria mostrando la vestimenta habitual de hombres de negocios, empresarios y banqueros de aquella época  haciendo una crítica al individualismo de la sociedad, dando la imagen de hombres, porque bien lo dijo Magritte, no son hombres cayendo, sino la imagen de hombres cayendo, buscando la individualidad y el apartarse del mundo dentro de la sencillez de sus ropas y la cotidianeidad de sus vidas que probablemente giran en torno a los negocios fructíferos y el dinero que puedan producir estos.

 Su titulo, Golconda, se refiere a una ciudad de la India, ahora abandonada, que en el siglo XIII fue conocida por sus minas de diamantes. El extraño título del cuadro no fue idea de su autor, sino del poeta surrealista Louis Scutenaire, que lo visitaba todos los domingos y bautizaba las obras animado por el artista.
Lucía Aguilar 

VLADIMIR KUSH

Vladimir Kush es un artista ruso que define su arte como surrealismo metafórico. Desde pequeño comenzó a mostrar interés por el arte y la pintura, a la edad de siete años ingreso en una escuela de bellas artes y cuando creció comenzó a estudiar en el Instituto de Arte de Moscú. 

Es un artista surrealista con gran influencia del estilo de Dalí, Botticelli, Van Gogh, Monet etc...

La pregunta ¿Es o no es? se puede ver en cada una de sus obras asi haciendo referencia al existencialismo europeo que inspiró a Vladimir y es de ahí de donde desarrolla la idea principal de sus metáforas.

Son muchos los que confunden sus obras con pinturas de Dalí, ya que pueden llegar a verse muy similares. A lo que el responde: "Más que enojarme es un honor que le den crédito de mis trabajos a Dalí. No creo que le este copiando pero la realidad es que él dejo la bara muy alta para todos los pintores surrealistas y es difícil no crear confusiones"

Estas son algunas de las obras de Vladimir Kush

Ane Altube

SURREALISMO CALLEJERO: MEHDI GHADYANLOO

Mehdi Ghadyanloo comenzó su vida de artista decorando rascacielos de Teheran así teniendo como objetivo crear una mezcla de escenas surrealistas en espacios minimalistas. Este artista callejero de origen Iraní es el creador de mas de 100 murales en las paredes de distintos sitios del paisaje urbano de Teheran. Crecio en la plena guerra contra Iraq y su padre fue llamado a fila por lo que el temor fue un factor muy presente durante la infancia de este.

Expuso por primera vez en Londres en el año 2015 y para celebrar este acontecimiento creo un mural en la pared de un callejón del este de la capital inglesa.

Esta escena representa el silencioso miedo de aquel niño granjero que fue Mehdi Ghadyanloo.


Ane Altube

Elsa Schiaparelli.

Schiaparelli fue la diseñadora que consiguió unir moda y arte con sus creaciones.

Sus ideas, junto con las que tomaba de artistas famosos, fueron plasmadas en sus vestidos y diseños. Contrató a Dalí, Bérard y Cocteau para que diseñaran telas y accesorios para sus vestidos. El cubismo y el surrealismo la  influyeron enormemente. Se inspiró en Picasso cuando estampó telas con artículos de periódico y Jean Cocteau diseñó divertidos y poéticos dibujos para sus bordados, unas  auténticas obras de arte.  

Un ejemplo destacable de estas colaboraciones fueron sus trabajos con Dalí, del que se inspiró y junto al que trabajó de la mano. En 1936 Dalí realiza la escultura Venus de Milo con cajones, alegoría a los diferentes olores que emana el cuerpo de la mujer y que corresponde con cada uno de esos cajones. En este mismo año Schiaparelli traslada la alegoría de Dali a un elemento del vestuario al realizar su Abrigo Escritorio, pieza con numerosos cajones y bolsillos trampa.



 Compartió época con la mismísima Coco Chanel, pero sus diseños no podían ser más dispares. Entre los diseños mas conocidos de Schiaparelli encontramos el tocado en forma de zapato, los guantes con uñas el vestido esqueleto.   

  

Su creatividad era inagotable, la modista creía que los botones eran aburridos, así que los transformó en pequeñas escultruas: grillos, caballitos amaestrados, faldas abiertas con piernas de bailarinas de can-can francés, trapecistas, coronas o terrones de azúcar.

Lucía Aguilar.

Andrey Tyurin

ANDREY TYURIN

                                                                                                                                                                                          ANDREY TYURIN, RUSIA,2017

                                           

Andrey Tyurin, un joven ruso de dieciocho años , destaca por su gran talento con la fotografía y la manipulación digital. Gracias a sus grandes cualidades, ha conseguido  con 141.000 seguidores en Instagram, llamar la atención por todo el mundo.

Este artista ha sido durante toda su vida un amante de la fotografía, del arte surrealista y de programas de post-producción consiguiendo como  resultado, una secuencia de  fotografías  retorcidas y a la vez excéntricas, rozando temas como la naturaleza humana  y la relación de diferentes sociedades.

Cincuenta obras surrealistas publicadas en las redes sociales han logrado una notoriedad internacional para el joven artista de dieciocho años. Además de ser reconocido mundialmente, ha demostrado que la edad , en el mundo del arte ,es solo un número y es el talento lo que de verdad importa.

A continuación , os dejare  alguna de sus obras :

     






 


Para más información:

https://es.vida-estilo.yahoo.com/arte-surrealista-ruso-18-a%C3%B1os-slideshow-wp-204201408/photo-p-alocadas-im-genes-comparte-photo-204201552.html 

Mencía Stampa, 

6 de Diciembre 2017

Bibliografía:

http://www.europapress.es/desconecta/curiosity/noticia-arte-surrealista-artista-18-anos-te-hara-mirar-dos-veces-pantalla-20171103152534.html 

https://www.sdpnoticias.com/estilo-de-vida/2017/11/07/joven-ruso-sorprende-en-redes-por-su-arte-surrealista

 El cine surrealista con Alejando Jodorowsky

El cine surrealista pretende escandalizar a la sociedad burguesa a la que consideran mezquina. Los cineastas llevaron sus ideas por encima de la comprensión de las personas que no estaban acostumbradas a este tipo de realización. Expresaron de forma subjetiva lo que deseaban, lo que había dentro de sus mentes, expresando sus ideas sin ataduras sociales y prejuicios sociales. 

La primera película surrealista fue La caracola y el clérigo de Germanine Dulac, un año después se estrena Un perro andaluz de Luis Buñuel con la colaboración en el guión de Salvador Dalí, tras estas se flimaron muchas mas como Cabeza borradora de David Lynch, El Topo de Alejandro Jodorowsky o Taxidermia de György Pálfi  y poco a poco este genero fue tomando cierta importancia en el mundo cinematográfico.

En la entrada de hoy hablaremos de Alejandro Jodorowsky, artista franco chileno, que destaco como escritor y director de cine. Junto con Roland Topor y Fernando Arrabal, fundó el movimiento Pánico.​ Su aporte más divulgado y controvertido es la psicomágia, una técnica que conjuga los ritos chamánicos, el teatro y el psicoanálisis.

Entre su variedad cinematográfica podría destacar los largometrajes Fando y Lis , El topo, El ladrón de arcoíris, Poesía sin fin, ect... Pero esta vez nos centraremos en largometraje titulado El Topo 

Dada las inmensas posibilidades de análisis que exiten debido a la gran complejidad de esta película, solo me limitare a ofrecer una visión sobre el verdadero objetivo de la  de este film.

https://youtu.be/6Uqb4Jy0GTg

El topo es una película mexicana de 1970, escrita, dirigida, protagonizada y cuya musica también fue compuesta por él, fue su primera personalísima película. Se proyectó en Nueva York en el marco de una sesión de cine nocturno (que daría inicio a las “Midnight Movies”) se convirtió rápidamente en una auténtica sensación, en una “película de culto” en el marco de la contra cultura de los primeros años setenta, un film icónico y “visionario” que haría las delicias de los hippys – John Lennon declaró que “El Topo” era una de sus películas favoritas.

Es característico por sus extraños acontecimientos y personajes, que nunca antes habían aparecido en la gran pantalla como fueron el caso de Mara o  Paula Romo( la pistolera de negro), la participación de actores mutilados y enanos, y las abundantes dosis de simbolismo cristiano, y filosofía oriental. Parafraseando al director, “El Topo no es una comedia, una tragedia, una película política o religiosa; es todo eso a la vez”

La intención esta estética es sorprende al espectador y hacerle pensar partiendo de ua sorpresa inicial, por lo que lo inesperado es crucial, por lo que no hay forma de prever el argumento de la obra. Se trata de una búsqueda amarga  que al tiempo que paraliza, invita a la reflexión de la condición de la ser humano El film no deja de ser una gran metáfora sobre el hombre, las religiones y el sentido de la vida. Jodorowsky menciona lo que tenía en mente al momento de hacer esta pieza. Éste habla de la importancia de apelar al inconsciente humano en lugar de buscar una crítica consciente del filme pero, igual, en esa inconsciencia pretende despertar a sus espectadores.

Personalmente, nunca había visto un trabajo cinematográfico con la perspectiva aquí presentada; el surrealismo de Luis Buñuel, por ejemplo, tiene un impacto que difiere de las impresiones que crean las imágenes de Jodorowsky.  Es la obra más perturbadora y extrañamente gratificante que he visto.  Y, tal como lo dijo el director en una entrevista de Ebert, “…you’ve got to take the concrete with the fantasy, the spirit with the flesh”.  En fin, que para darle valor a esta cinta hay que tomar, ambos, lo inquietante y lo complaciente; del mismo modo hay que tomar la vida, es ‘todo o nada’

Por ultimo os dejo el enlace al vídeo sobre Midnight Movies - El Topo de Alejandro Jodorowsky (v.o.s.e.)  https://youtu.be/J4FTYpW6PYI

Alejandra Guerra, lunes 29 de noviembre  

Somos plenamente libres. Las mujeres artistas y el surrealismo.

    

   Somos plenamente libres. Las mujeres artistas y el surrealismo. 
                                  Museo Picasso Málaga.



Tertulia, Ángeles Santos, 1929, Museo Picasso Málaga

Leonora Carrington , Frida Kahilo, Manja Mallo , Dorothea Tanning y 14 mujeres artistas más fueron elegidas por José Jiménez, catedrático de estética y teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid,para una exposición que da protagonismo al trabajo de la mujer en la historia del arte en el Museo Picasso de Málaga, desde el 10 de octubre de 2017 hasta el 28 de enero de 2018. 

André Bretón, artista y escritor francés, fue el principal impulsor del surrealismo, una de las corrientes de vanguardia más conocidas pero también asociado históricamente a los hombres. Esta corriente se caracteriza por expresar ,de forma libre, la imaginación y los sentimientos, pero , a pesar de querer conseguir un mundo idílico y libertario, la mujer seguía manteniendo el papel femenino tradicional del arte.

Las artistas consideraron el surrealismo idóneo para manifestarse y hacerse oír porque esta vanguardia, como ya hemos comentado antes, es renovador, provocativo y caracterizado por reivindicar la libertad de los seres humanos.De esta forma, ellas fueron capaces de explorar sus pensamientos más profundos además de crear su propia identidad.

Las mujeres reunidas en Somos plenamente libres, son consideradas como personas revolucionarias que además, consiguieron que posteriormente existiese el movimiento feminista , movimiento relacionado con el reto de acabar, entre otros, con los límites de género.

Las artistas y las obras escogidas para esta exposición provienen de museos europeos de alto prestigio, como Lee Miller, La Tate o el Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía, y también de museos americanos como el Museo de Arte Moderno de México.

Mencía Stampa, Domingo 29 de octubre

Para más información:

http://www.museopicassomalaga.org/exposiciones-temporales/mujeres-artistas-y-surrealismo

La persistencia de la memoria, Salvador Dalí.

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA

Esta pintura fue realizada por Salvador Dalí en 1931, se trata de un óleo sobre lienzo, actualmente se encuentra en el museo MoMa de Nueva York y forma parte del movimiento literario y artístico del surrealismo. 

La composición se encuentra bastante equilibrada mediante el motivo central unido a los otros relojes a través de un triángulo que se compensa en la zona derecha con las rocas que cierran el fondo.

Salvador Dalí fue un pintor español muy reconocido ya que le dio una nueva vida al surrealismo europeo hasta convertirse en un gran referente de este movimiento artístico. Sus principales características fueron el personalismo, simbolismo y la precisión técnica que mostraba en sus obras.

La persistencia de la memoria fue una de sus obras mas conocidas, en esta obra el pintor uso su conocido método critico paranoico con el que pretendía fotografiar sueños. En esta se encuentra una extraña criatura durmiendo sobre la arena, donde se puede observar un autorretrato del pintor.

Se dice que los relojes blandos de fusión fueron el resultado de la interpretación de teoría de la relatividad de Einstein. En esta imagen podemos observar relojes derretidos en un paisaje marino, esta es la representación de un sueño que tuvo el autor de esta pintura. 

La interpretación general es una critica al tiempo como una influencia solida mediante al empleo de tantos relojes. Se dice también que fue pintada en medio de una alucinación y que Dalí se inspiró en el queso Cambembert.

Ane Altube